LE THÉÂTRE ET LE PUBLIC A TRAVERS L’HISTOIRE


le théâtre au XVIIe siècle-Pussin Louis

Nous pouvons en passer de tous les composants techniques, accessoires, décors, maquillage, masques et éclairage dans le théâtre, mais nous ne pouvons jamais nous passer de deux piliers principaux: l'acteur et le public, il n'y a pas de théâtre sans eux, et il n'y a pas de drame en l'absence de l'émetteur et du témoin, et pas de théâtre avec un acteur sans public


Théâtre Grec: La relation entre théâtre et le public a commencé avec le théâtre grec ; lorsque le théâtre était un rituel cérémoniel auquel tous les citoyens grecs ont participé afin de présenter les offrandes de loyauté, d'amour et d'obéissance au dieu Dionysos. La théorie de la purification aristotélicienne, qui vise à influencer la psyché du destinataire, est une preuve concluante de la dialectique de l'observation et de l'acceptation. Le théâtre, vu par Aristote avec son rythme tragique, doit remplir la fonction de purification en suscitant la peur et la compassion dans les scènes célébrées afin que les valeurs vertueuses soient tragiques et évitent le mal et les valeurs dégénérées. Souvent, la communication apparait entre le Chœur et le public, qui est généralement, assis soit dans le théâtre ouvert (Theatron), soit autour de la scène et le chœur. L'espace du théâtre a pris plusieurs formes géométriques, dont la plus importante est le demi-cercle, représenté par le théâtre Dionysos.

L'histoire de l'art a enregistré la grande popularité du théâtre grec, car il était fréquenté par tous les citoyens libres, qu'ils soient riches ou pauvres. Les gens se réveillaient tôt à l'aube pour voir le soulagement qui commence le matin, emportant avec eux des paniers de nourriture et de boisson, afin de suivre toutes les pièces montrées qui pourraient s'étendre jusqu'au coucher du soleil, et qui exprimaient leurs propres préoccupations, des problèmes réels et des problèmes politiques, économiques et sociaux. Il suffit de souligner que le théâtre Dionysos était capable d'accueillir entre 15 et 17 mille spectateurs, en particulier pendant le règne de Périclès qui a établi la cité-État démocratique, fondé sur la justice sociale et l'égalité des citoyens grecs devant la loi. Cela confirme l'étendue de la prospérité du théâtre grec à l'époque classique, en particulier, et cela est démontré par l'ironie et la satire des acteurs en critiquant les situations politiques, sociales et culturelles avec audace et courage, comme en témoigne la pièce "Les Grenouilles" d'Aristophane.

Le Théâtre Romain: Après que le théâtre grec ait eu une fonction éducative, éthique et patriotique, la scène est devenue pendant l'ère romaine uniquement pour le divertissement et l’éblouissement du public avec la beauté du décor et la grandeur de l'architecture physique et de la scénographie luxueuse et surtout avec le retour aux techniques élevées de fonctionnement de l'observation, telles que l'utilisation d’oiseaux et d'animaux, la mise en œuvre de véritables scènes de feu, ce qui a eu un effet néfaste sur le public et son goût.


Théâtre au Moyen âge :

Le théâtre a connu une stagnation au Moyen Âge et il a subi une crise avec la domination de l'Église sur les affaires de la vie et les roues de la culture, car on interdisait la pratique du théâtre et dénonçait tous ceux qui pratiquent le théâtre. Malgré cela, le théâtre a été lié à la vie religieuse et ce qui le sépare des fondements de la dramaturgie grec et romain le relie a tout ce qui est ludique à l'Église et à la messe chrétienne. En revanche, il y avait des textes comiques qui discutaient de certains sujets dans une perspective morale religieuse. Cela signifie que le théâtre au Moyen Âge a eu un impact religieux, moral et spirituel sur le public.


Théâtre en Renaissance: Pendant la période de la Renaissance, le théâtre était destiné au public instruit ou à l'élite aristocratique et la classe intellectuelle, et ses membres étaient limités, en particulier en Italie, connue pour sa construction d'énormes théâtres avec la magnifique architecture baroque et ses motifs inspirés par la beauté et l'art.

Le théâtre italien a formé un espace spirituel dramatique basé sur l'architecture des quatre murs, et cette perspective d'ingénierie est devenue un espace pour le théâtre occidental à ce jour et on l’ la boîte italienne. D'un autre côté, le public populaire a soif d'un autre type de théâtre proche des groupes populaires, à savoir le théâtre de comédie improvisé ou la commedia dell’arte Des écrivains espagnols dramatiques tels que Pedro Calderon de La Barca (1571-1648) et Tirso de Molina (1571-1648) ont eu une grande influence sur le public espagnol, en particulier pendant l'âge d'or dans lequel la littérature espagnole a connu son accroissement. Leurs œuvres traitent généralement la lutte de l'amour et de l'honneur et ils travaillent pour atteindre la tension, l'excitation et le raffinement moral grâce à leurs histoires romantiques de nature plus souvent équestres. Concernant le théâtre élisabéthain, les pièces de Shakespeare ont influencé le public (de la tragédie en particulier) grâce la force de l'écriture littéraire et artistique de Shakespeare et de l'intérêt du public pour son théâtre, qui a atteint une grande renommée et une splendeur esthétique, ce qui laisse encore son merveilleux impact artistique sur les admirateurs du théâtre anglais.

Le théâtre français, par contre, a parcouru un long chemin dans la représentation des objectifs religieux et éducatifs tout en pratiquant la critique comique et l'ironie similaires à la commedia dell’arte italienne tout en respectant les règles du théâtre aristotélicien. Le théâtre s'est déplacé de la ville à la campagne avec le pionnier du théâtre français, Molière, qui a commencé à errer avec son théâtre mobile les place publiques et la campagne pendant douze ans. Molière, qui a créé le théâtre itinérant, a eu une grande influence sur le public français avec ses pièces comiques qui suscitent le rire, le plaisir et le divertissement tout en offrant un intérêt réel philosophique et esthétique.

A part la comédie, le théâtre français a connu deux géants de la tragédie, Corneille et Racine, qui, à travers leurs pièces, ont eu un très grand impact (du coté esthétique et moral) sur le public du théâtre classique français.


Théâtre Oriental :

Le théâtre oriental était associé à des rituels et des pratiques religieuses et populaires. Le , une forme de théâtre classique japonaise ; un drame associant le chant et la danse à un texte lyrique, est apparu au XIVe siècle mais vite devenu populaire. Le « Nô » veut dire « action », vient du sarugaku (musique de singe) des inspirations indiennes et chinoises et des kagura (danse sacrée du shintô)

Pour satisfaire l’intérêt du public, Un spectacle de comprend cinq pièces appartenant chacune à des genres distincts du répertoire. Les pièces votives avec un personnage surnaturel ou une divinité éloignent le spectateur de son quotidien ; les pièces guerrières ; les pièces de femmes révélant le charme subtil des attitudes et de la danse ; les pièces du monde réel s’inspirant de drames épiques ; et les pièces finales des histoires légendaires ou religieuses. Ces pièces sont généralement suivies par intermèdes comiques. Il s’agit d’un genre théâtral appelé kyôgen, littéralement "paroles folles".

Aujourd’hui, grâce au théoricien et dramaturge Zeami, qui a codifié les grands principes de cet art en laissant des enseignements dérivés de la philosophie bouddhiste et donnant une dimension philosophique et spirituelle, surtout en se basant sur une formation stricte et professionnelle des acteurs, le Nô est devenu un art d’élite.

Quant à la Chine, Bien avant, elle a connu des représentations liées aux rituels ; des saynètes comiques présentés dans les rues et des places publiques ; L’apparition des marionnettes et le théâtre de l’ombre. Au XVIe siècle le Chuanqi (légendes merveilleuses, qui est un genre littéraire) a adopté le style musical du Kunqu (théâtre musical) est devenu par la suite l’art théâtral le plus populaire et le plus influent en chine, grâce à la diversité des spectacles qui combinent le chant, la danse, la poésie, la gestuelle et les exercices acrobatiques. La magie de cet art qui a su répondre au gout du public a permet de créer l’Opéra du Kunqu qui devient ensuit l’Opéra de Pékin.

Actuellement, on compte plus de 300 genres théâtraux traditionnels et les scènes chinoises présentent, chaque année, des milliers de spectacles empruntés à divers genres de théâtres, ce qui enrichit la vie culturelle de la population et attire un public de toutes les catégories.


Théâtre expérimental: Avec les XVIIIe et XIXe siècles, le théâtre européen évoluera expérimentalement vers une révolution contre des règles du théâtre aristotélicien, en rejetant l'idée de simulation et la règle des trois unités, pour passer à la théorie de l'assimilation de l'acteur dans son rôle, comme en témoigne l'émergence des écoles littéraires, artistiques et dramatiques telles que le réalisme, le romanticisme, le symbolisme, le dadaïsme, le surréalisme, l’existentialisme, le théâtre de l’absurde, le théâtre épique, Bread and Puppet Theatre ... Ces écoles ont donc commencé à douter de la crédibilité des règles aristotélicienne, malgré que la réforme a commencé avec Shakespeare, qui a réalisé un changement artistique par rapport aux normes du théâtre grec. La pièce « Henani » de Victor Hugo a déçu le public et les lecteurs, car elle a brisé les trois unités aristotéliciennes. Les pièces de Gotthold Ephraim Lessing avaient également tendance à combiner les espèces et les races et non à les séparer. Et si le théâtre classique a habitué son public à un certain goût particulier et une esthétique soumise à un ensemble de règles de simulation et d'intégration et de respect des trois unités et tenant compte des aspirations et coutumes du public, le théâtre expérimental a changé cet impact esthétique et a créé une distance esthétique entre le créatif dramatique et le récepteur (public).

Et si nous parlons du théâtre d'avant-garde, cela établira un nouveau goût au niveau de la réception et de l'acceptation théâtrale, notamment avec le théâtre de l'absurde qui a déclaré sa complète rébellion sur tous les standards de la logique aristotélicienne et les éléments de l'art dramatique classique connus dans les pays d'Europe, notamment avec Samuel Beckett, Arthur Adamov, Eugène Ionesco et Fernando Arrabal. Ce théâtre d'avant-garde a surpris le public par sa révolte contre les fondements du théâtre grec et sa dépendance à l'indifférence, à l'abstraction et l’absurde, à la philosophie de la monotonie et du silence. Ainsi, le goût du public a radicalement changé avec ce théâtre, qui a changé l’entité artistique et esthétique du théâtre aristotélicien. En raison de ce nouveau goût, le public européen a adopté de nouvelles normes après la Seconde Guerre mondiale en s'adaptant à ce théâtre d'avant-garde.

Et si le public accordait une grande importance à l'auteur puis à l'acteur de l'école romantique, alors dans la période du théâtre expérimental à partir de la fin du XIXe siècle, le public accordera de l'importance au metteur en scène qui sera chargé d'organiser le processus scénographique et d'encadrer les comédiens de sa troupe et de bien les former.

L'interaction entre l'acteur et le spectateur prendra enfin forme avec Bertolt Brecht, un des plus grands réformateurs du théâtre du XXe siècle. Pour Brecht, le théatre est un outil d’analyse de la société sans exclure le plaisir du spectateur, en lui laissant le choix de s’engager.

Il a donné une grande importance au public en brisant le quatrième mur et en introduisant le concept de distanciation ; et pour y parvenir le comédien évitera tout processus d'identification du spectateur à son personnage et il adressera au public, il ne vit pas mais il montre son personnage tout en jouant son texte « en citation ».

Le théâtre épique, qui dirige le discours politique direct au public, a valorisé le public qui participe également dans le spectacle en l’élevant mentalement, et en l’incitant à discuter des questions sociales et politiques.

D’un autre coté, Constantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold et Jerzy Grotowski ont travaillé sur la formation de l'acteur, chacun sa méthodes, mais d’une manière professionnelle très stricte, en se basant sur les capacités vocales, corporelles, dynamiques et ludiques afin de convaincre le spectateur et de l'influencer. Les metteurs en scène pionniers tels que Edward Gordon Craig , Adolphe Appia, Antonin Artaud, Peter Schumann et Peter Brook ont ​​invoqué le public dans leurs spectacles, en raison de leur intérêt à améliorer et à perfectionner leurs œuvres et à préparer les acteurs à s'ouvrir sur la scène globale afin de contribuer à créer un nouveau goût de théâtre esthétique et d'établir une nouvelle coutume dans la lecture dramatique et scénographique en vue d'élever le niveau de l’admirateur du théâtre d'avant-garde qui s'est révolté sur le théâtre occidental. Ce théâtre a également exploré un théâtre anthropologique ancré dans le primitivisme qui utilise la violence et la cruauté pour dissuader les pulsions négatives et les mauvaises émotions instinctives parmi les spectateurs du spectacle dramatique, en particulier avec Antonin Artaud.

Le théâtre est associé au public depuis la première apparition de la scène dans l'histoire de l'humanité, et ce lien a évolué à travers le développement du théâtre occidental et oriental dans le cadre de deux structures contradictoires: la structure aristotélicienne et la structure expérimentale. Le goût du théâtre, selon ces deux structures, passera d'un goût classique adapté au théâtre aristotélicien et ses normes basées sur le principe de la simulation, à un goût avant-gardiste basé sur un changement et une prédominance en se préparant à établir un autre goût plus moderne et révolutionnaire.


Article par : Fariza Chemakh